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Miguel Cantilo: "El rock es la música más sanguínea, vibrante y comunicativa"

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Entrevista: Luis Mojoli
Fotos: Laura Tenenbaum

Este martes 21, Miguel Cantilo presenta su nuevo disco-libro titulado Corazón acústico en el nuevo Bebop Club (Uriarte 1658). En la previa al concierto, Rec Or Play tuvo la oportunidad de charlar distendidamente con el ex Pedro y Pablo –también formó Punch en los 80´ durante su estadía en España) acerca de este nuevo material solista que fue producido por su hijo Anael y que incluye las letras de Cantilo escritas a mano, acompañadas de brillantes ilustraciones a cargo de Kubero Díaz (“Es tan bueno como guitarrista que como dibujante”, dice el protagonista de esta nota sobre el músico de Los Abuelos de La Nada), que complementan el arte de esta entrega.

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Combinando elementos acústicos y algunos instrumentos particulares como el corno francés o el duduk - instrumento de viento de madera de lengüeta doble que es tradicional en Armenia- Cantilo materializó su decimosexto álbum en solitario a través de quince canciones que nacieron durante el confinamiento en España (Miguel reside en Madrid) y también en la Argentina. Hora de salir a la cancha y defender el flamante LP. Pero antes, un mano a mano con este medio:

¿Cuál es el concepto detrás de Corazón Acústico?
Es un disco acústico, en el que la guitarra acústica es el eje junto a la voz. En algún tema usamos un corno francés, en otro un duduk, un bandoneón, un piano, etcétera, todo en función de la canción. Le dimos mucha preponderancia al texto y eso viene acompañado de un manuscrito. Los temas abordan temáticas de actualidad y el álbum fue creado durante el confinamiento, así que tiene mucho de esa situación de encierro. En mi caso, estuve aislado en las afueras de Madrid que es donde vivo. Luego vine aquí y lo grabé a principios de este año. Durante todo el 2021, estuvimos agregándole instrumentos, haciendo arreglos y completándolo.

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Ph: Laura Tenenbaum

¿Algún tema que puedas destacar del disco?
Sí, hay una canción que habla sobre los pioneros del rock argentino. Se llama “El ave fénix en libertad”. Ahí trato de comparar al rock nacional con un ave fénix que cada tanto desaparece y vuelve a sus cenizas, como en la mitología. Y luego reaparece. Como el rock argentino, que tuvo varias apariciones y desapariciones, como pasó en la época de la dictadura militar. Ahí tuvo que retraerse y esconderse. Entonces, en la canción voy mencionando a artistas como Vox Dei, Pappo, Serú Girán, Alma y Vida. Los nombro y voy recordando la ubicación que tuvieron en los primeros años del rock argentino. Todos esos grupos sufrieron lo peor de la dictadura, pero trascendieron fronteras cantando rock en castellano, traduciendo las vivencias de esa generación. Voy a otros países, incluso España, y no se atreven muchas veces a cantar en castellano. En Argentina se tomó el desafío de hacer rock en castellano y representar a través de las canciones lo que se estaba y está viviendo. Eso es lo que trato de recuperar en “El ave fénix en libertad”.

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¿Cuántas canciones componen el álbum?
Son quince temas. Cada uno aborda un tópico diferente. También hay una canción dedicada a mi madre y a mi padre. No es un álbum que mire en retrospectiva, pero sí hay este homenaje que te comentaba a mis padres y al rock nacional. El resto no. En una de las nuevas canciones hablo irónicamente del “Nuevo desorden mundial”, en referencia a la teoría sobre el Nuevo Orden Mundial. Y también escribo sobre varias situaciones que me rodean actualmente tanto en Argentina como en España.

¿Escuchás a las nuevas generaciones musicales? ¿Qué pensás del trap?
La verdad es que solamente escucho a las y los artistas que me sorprenden por su calidad, ya sean instrumentistas, cantantes o bandas. Cuando me llega algún demo o me mandan algo por internet, siempre le doy una escuchada. Ahora bien, lo que no me interesa o gusta, lo respeto totalmente. Pero no me gusta perder tiempo escuchando algo por el hecho de que sea exitoso, moderno, popular o masivo. No me interesa prestar oídos a cosas que no me impactan. Hay demasiada cantidad de música, no podés prestarle atención a todo. Es lo mismo que pasa con las series o las películas. Quiero seleccionar bien aquellas cosas que me van a satisfacer, hacer bien y alimentar.

¿Cómo viviste la década de los 70´, musical y políticamente?
Los primeros años fueron jugosos, hasta 1974. Ese año empezó a haber mucha censura y se bajó la demanda y la posibilidad de hacer recitales. No había difusión de discos, porque estaba todo censurado. Nos decían: “No muchachos, esa canción no se puede tocar”. La situación era compleja y asfixiante, así que decidí irme y probar suerte afuera. Estuve en Colombia y España desde 1974 a 1980. Al volver, fue muy difícil convencer a la gente sobre las nuevas estéticas.

¿Cómo se hizo esa estética? ¿Cómo te uniste a la new wave?
Formamos Punch con Isa Portugheis, Enrique Gornatti y Morci Requena. Luego incluimos al español Fernando Huici. Estábamos muy influenciados por toda la movida new wave inglesa. Nos llegaba el material de Blondie, Talking Heads, Dire Straits, Pretenders, The Police, todo eso. Sacábamos los temas y los tocábamos en hoteles y fiestas. Estuvimos un año entero haciendo covers, lo cual fue una gimnasia muy productiva. Luego empezamos a cantar nuestros temas en castellano. Después de un año de tocar, hubo un problema con nuestra situación migratoria. Y para evitar la deportación, tuvimos que volvernos. Estuve casi cuatro años allá en España. Incluso nos juntamos con Miguel Abuelo y Kubero Díaz y llegamos a tener un trío acústico.

Cuando llegaron a  la Argentina, no hubo mucha aceptación al principio del sonido new wave…
Isa Portugheis proveyó la llave que nos abrió la puerta en Argentina con el tema “Adonde quiera que voy”. En un momento, el productor Oscar López consiguió que ese tema sonara como cortina en una radio AM. Ahí se empezó a hacer conocido el grupo y la cosa cambió. En realidad, había un sector mínimo que no nos aceptaba. Capaz íbamos a un festival y había 50 boludos que nos tiraban naranjas.

Cambiando de tema, estuviste en el BA Rock del 70. Hubo miles de personas.
Las crónicas de la época hablan de 17 mil personas. En ese momento en los festivales se amplificaba con columnas de parlantes Robertone. Muy lindos recuerdos del BA Rock, aunque también le tiraron cosas a Rodolfo Alchourron. Y en el 71´ también le tiraron de todo a Rubén Rada. Lo que hacía Daniel Ripoll, el editor de la revista Pelo, era un desafío, porque subía al escenario a grupos de corrientes muy diferentes.

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PH: Laura Tenenbaum

¿Qué podés comentar acerca de los músicos que te acompañan actualmente?
Son gente más joven que yo, entre cuarenta y cincuenta años. Tienen dominio instrumental, pero no hay necesidad de mostrar lo bien que tocan. A veces, cuando voy a ver un festival de jazz en España me aburro en la mitad, porque es puro exhibicionismo musical. Prefiero ver a una banda que sude, transpire y que fundamentalmente transmita. El virtuosismo por el virtuosismo no me mueve. Al tercer tema uno piensa: “Ya sé que tocás bien, pero transmitime algo”. Creo que el rock es la música más sanguínea, vibrante y comunicativa.

¿Cómo te llevás con las redes sociales y las nuevas plataformas de comunicación?
Es duro dominar el mundo digital. Realmente es complicado para mí, ya tengo más de 70 años. Hay un lenguaje y un código que me cuesta abordar con facilidad. Pero entiendo el valor de la tecnología, no se puede despreciar. Yo tengo a mi pareja en España, aprieto un botón, la veo y hablo con ella. Es magnífico eso. Acepto la tecnología, pero admito que me cuesta entender su funcionamiento a fondo. Es más, soy mucho más crédulo de lo que sale en las redes que en los medios. Pero también hay que aprender a filtrar el contenido que uno consume allí. Hoy en las redes se expresan cosas que no se pueden decir en los medios.

Se da una democratización de la palabra y la comunicación.
Sí. Por otro lado, lo que ocurre es que hay un nivel de materialismo tan fuerte y el poder económico está tan dirigido, que todos los medios abiertos están comprados por intereses privados que superan a los gobiernos y las naciones. Se quiere imponer una determinada verdad y los medios cobran. Pero ojo, las redes están por fuera de eso.

Sí, pero también hay muchas fake news…
Eso es cierto. Ahí está la capacidad de uno de filtrar, discernir y hacer un uso responsable de las redes.

¿Recordás la primera vez que fuiste a un estudio profesional?
Sí, en CBS. El estudio quedaba en calle Paraguay y era como los de Estados Unidos. Ahí el técnico de grabación tenía un instructivo que decía que tenía que poner los potenciómetros de una manera y no tocarlos. ¿Sabés lo que hacía el tipo? Seguía ese instructivo, se sentaba, dejaba la revista Gente arriba de la consola y luego se ponía a leerla. Aún así, el sonido era buenísimo. Poné a Sandro, a Leonardo Favio y otros que grababan ahí… El sonido era a prueba de balas.

¿Cuál fue el primer tema que grabaste ahí?
“Yo vivo en esta ciudad” fue el primero. Al principio ni siquiera nos llamábamos Pedro y Pablo, no teníamos nombre.

¿Cómo surgieron esas canciones? ¿Qué cosas te movilizaban?
A mí me movilizaban los grandes compositores que venían del mundo. Había un estilo de canción muy sutil, que venía del café concert. Nosotros teníamos algo de eso, de gente como Jorge de la Vega, Facundo Cabral y María Elena Walsh. En ese momento la actitud del dictador Juan Carlos Onganía era muy agresiva para los que tenían pelo largo. El tipo tenía un bigote medio deformado y había leyendas en torno a eso. No se podía ni pensar en cantar abiertamente sobre eso, entonces inventamos un personaje en torno de eso que se llamaba Johnny Bigote, tenía el bigote torcido y era muy duro. El longplay permitió que canciones así o “Asociación Modelos Argentinas”, le llegaran a la gente. El tema menciona a modelos de la época. Chunchuna Villafañe era la esposa de Horacio Molina, quien nos presentó a CBS. Fuimos a grabar y nos pidieron un hit para el verano (risas). Y también nos exigieron que pusiéramos un nombre. Cronopios sonaba muy intelectual, así que buscamos dos nombres de pila y así surgió lo de Pedro y Pablo, porque si no, no salía el disco.

Viviste el exilio y atravesaste un golpe generacional en los ochenta. ¿Cómo viviste ese momento?
Fue muy inspirador y me impulso a mejorar. Esta profesión es muy ondulante y hay que saber surfear la ola. No hay que deprimirse cuando un disco no se vende o desalentarse cuando hay una mala crítica. Se debe tratar de no dejarse abatir cuando una gran popularidad de un año para otro luego se convierte en algo menor. Le ha pasado a The Beatles, incluso. Yo dejé de trabajar con Pedro y Pablo, y eso me dio libertad.

Escribiste las letras de tu nuevo disco a puño letra…
Sí, está buena la posibilidad de seguir escribiendo a mano. Y los dibujos de Kubero Díaz le dan un plus. La verdad es que es tan bueno como guitarrista que como dibujante.

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Sos un ávido lector. ¿Podrías mencionar algunos libros que solías leer antes y ahora?
En los 70´, leía cosas esotéricas. Idries Shah y autores así. Ahora en la actualidad estoy leyendo a Kaleb Seth Perl, un escritor de origen inglés que habla mucho de lo que está pasando hoy en día. Uno de sus libros se llama Tiranía Contra la Consciencia Humana. Ahora acabo de comprar un libro de Eduardo Berti, que es un gran escritor de renombre en Francia. A nivel artístico, leo biografías de los Beatles. Para mí ellos son la escuela, la fuente.

¿Viste “Get Back”, su nueva serie documental?
La estoy viendo, está muy buena. Y no tiene nada que ver con “Let It Be”. Acá hay cosas realmente sorprendentes. The Beatles es algo inagotable para mi generación y veo que para los chicos también.

¿Cómo va a ser la presentación de este martes 21?
Vamos a tratar de hacer temas nuevos y no quitarle el clima íntimo del álbum. La idea es hacer una parte acústica y otra con instrumentos eléctricos. Vamos a tratar de interpretar el material de la manera más fiel al disco. El objetivo es poder hacer más adelante el show con todos los instrumentos que se incluyeron en el álbum.

Insam

 

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